Portraits d'artistes

Yammes

Yammes est une artiste plasticienne autodidacte qui vit et travaille en région parisienne.

L’histoire de Yammes

Yammes se passionne très jeune pour la photo, le dessin et la peinture. Alors qu’elle a 28 ans, on lui diagnostique une dégénérescence maculaire précoce à l'œil droit…Un tournant de sa vie qui la conduira paradoxalement à s’épanouir en tant qu’artiste. Explorer son univers artistique la sauve, lui redonne soif de vivre. 

L’école d’art qu’elle a suivie ? Celle de la vie, qui nous met à terre et nous apprend à nous relever, la plus inspirante…

Vêtir la nature pour révéler son âme 

Yammes est une véritable amoureuse de la nature, c’est sa première source d’inspiration. Adepte des randonnées, elle a l’habitude de marcher en forêt pour se ressourcer. Et à force d’observer et photographier l’environnement, en particulier les arbres, elle finit par leur trouver des allures de personnes… Lui vient alors une furieuse envie de les habiller ! Elle utilise l’art numérique pour intégrer les éléments de la nature dans ses toiles et ses photos, et c’est ainsi qu’ils y prennent vie, comme de vraies personnes. On se retrouve dans un univers parallèle…C’est l’effet de surprise signé Yammes ! Et ensuite, on se met à regarder les arbres que l’on croise très différemment… 

Cette personnification singulière de la nature questionne notre rapport à la nature et aux enjeux environnementaux actuels. 

Ses oeuvres 

Succa

Diplômée des Beaux-Arts en architecture et dessin d’art, Succa s’adonne à la peinture à l’huile en parallèle de son métier d’architecte pendant douze ans, avant de se concentrer exclusivement sur ses créations artistiques.
Dès lors, de la gravure à la photographie en passant par l’installation environnementale, l’artiste mêle les techniques, avec toujours cette préoccupation de l’impact de l’humain sur la nature comme catalyseur de son esthétique.

« Si l’humain n’apparaît pas dans mes œuvres, mon travail met en évidence la trace qu’il laisse sur notre planète. (…) L’impression ressentie au plus profond de nous : l’empreinte tantôt éphémère sur certains objets et lieux, et par ailleurs, plus durable, gigantesque et monumentale dans la construction urbaine, industrielle, technologique et culturelle; société de consommation tous azimuts. »

Dans ses fragments de nature, Succa interroge le devenir d’une humanité menacée, du fait de pratiques néfastes pour notre écosystème, aux répercussions parfois irrévocables. À cette réflexion concrète et profonde, s’adjoint la volonté de célébrer la beauté du cycle des saisons et de l’instant fugitif, soit ce spectacle de chaque seconde auquel convie le vivant.

Carole Perret

Carole Béatrice Perret est née en 1951 à Berne en Suisse. Elle a exercé l'illustration publicitaire à Paris puis à Lausanne. En plus de sa passion pour l'équitation et ses chevaux, c'est son autre passion pour la peinture qui l'a motivé à se consacrer entièrement à cet art.

Conseillée par une aînée en peinture, Carole Perret s'est mise à la technique de la Tempera sur panneau de bois. Cette technique fut utilisée à l'époque du Quattrocento, avant la découverte de la peinture à l'huile. De nos jours "la Tempera" est peu utilisée, car elle demande un savoir-faire et une préparation très minutieuse.

La peinture de Carole Perret est à classer parmi l'art naïf ou les primitifs modernes, même si on affleure avec certains sujets le surréalisme.

L'artiste peint des "Arlequins" dont les scènes évoquent l'univers magique de l'enfance, celui où tout est possible, où les jouets s'incarnent et les objets prennent vie. Mais elle est surtout connue pour les peintures qui explorent le monde de l'imaginaire où elle met en scène avec humour et une douce impertinence, des "Nonnes" aux coiffes imposantes, vêtues de bleu et blanc. Carole les décline à toutes les situations de l'extravagance, mais sans choquer.
Ces dévotes un peu anges et un peu sorcières, nous taquinent volontiers. Carole Perret dit que nous portons tous un uniforme dans la vie... et que l'habit ne fait pas la nonne!

Juanca

Née à Toulouse d'ascendance française et espagnole, Juanca, étudie à l’Ecole des Beaux-Arts de Toulouse où elle est l’ élève de Daniel Schintone et de Michel Goedgebuer. Elle est distinguée par plusieurs premiers prix.

Elle reçoit ensuite une formation à l’enseignement des Arts à l’Ecole Normale Artistique de Toulouse et professe notamment à Saint Girons en Ariège où le poète Gaston Massat l’incite à approfondir ses recherches picturales.

Juanca décline une proposition de poste à l’Ecole des Beaux-Arts de Toulouse du fait de son errance familiale. Elle séjourne à Téhéran, à La Haye et au Congo sans cesser de peindre et d’exposer.

De retour en France , l'artiste s’insère à nouveau dans la vie artistique par des expositions personnelles à Paris et en Suisse et par des participations à de nombreuses expositions de groupes.

Le plaisir de peindre implique pour elle un constant renouvellement des thèmes et une diversité des styles.

La peinture figurative, le dessin académique étudiés aux Beaux-Arts, la rencontre du professeur Charles Bru qui enseignait l’esthétique à l’Université de Toulouse lui ont progressivement ouvert le chemin vers l’abstrait, une abstraction qui privilégie l’émotion à la forme.

Au cours d’ une conférence sur l’Univers, Juanca a été fortement intéressée par les images que révèlent les télescopes. Tous les constituants du cosmos cessaient d’être pour elle des mots et des concepts, mais prenaient des formes et des couleurs fascinantes.

Fanny Laffitte

Sensible aux énergies du monde qui l’entoure, Fanny Laffitte peint pour diffuser l’amour et la bienveillance. Elle, a très vite compris qu’elle portait en elle une lumière : celle de la protection. Une enfance particulière traumatisante qui a forgé son âme. Elles qui durant longtemps n’avait pas réussi à croire, pouvaient enfin déployer ses ailes

Une rédemption au sein de laquelle Fanny va s’épanouir et dévoiler son grand cœur en peinture. Rencontre après rencontre toile après toile, l’artiste dévoile sa grande sensibilité et vient diffuser le bien autour d’elle. Elle se met à nu durant chaque création grâce à un esprit tout en lumière et en poésie. Dès lors, la graine de la générosité semée dans son esprit par son histoire va germer. De là, va surgir une créativité spirituelle, qui d’après elle, n’est autre que « l'éveil de l’âme qui communique par des sensations ». Et la beauté du sensoriel, Fanny Laffitte parvient à la saisir !

Au moment de créer, elle se plonge dans ses mémoires , que on lui a envoyé visuellement ou auditivement et va se laisser happer par une écriture automatique, inconsciente et terriblement pure. Son génie créatif parvient à mettre en lumière et en couleur une harmonie vibratoire et synergique. Elle se sent protégée et envahie d’un bain de clairvoyance, elle peut s’exprimer sans crainte et devenir invincible. Un don qu’elle partage à l’aide de ses pinceaux et de son état vibratoire perpétuel. L’artiste peintre parvient à rester sincère et cette pureté se ressent à la vue de chacune de ses œuvres.

Face aux créations de Fanny Laffitte, une chaleur attrape notre corps, tout n’est que douceur et gentillesse. La lumière de ses toiles et les couleurs de son art s’allient pour former des vibrations de compassion qui s’échappent de la toile. Son esprit lui envoie des tableaux et elle envoie de l’amour. Ainsi, l’artiste devient la messagère d’une énergie positive… Cette force tend à ouvrir notre conscience afin qu’à notre tour, nous puissions activer la lumière qui réside en nous !

Bernard Goutiers

Dans quelle mesure l’expression de l’artiste parvient-elle à enrichir le regard d’autrui, ce dernier témoignant d’une quête de sens dont l’œuvre d'art est le miroir ? Telle est la question qui, tout en évoquant l’expérience de l’altérité, est au centre du vocabulaire artistique de Bernard Goutiers.

Si les recherches plastiques du peintre français établissent un point de convergence entre écriture poétique et avail pictural, esthétique onirique et registre abstrait, elles passent également par une réflexion vieille de plusieurs siècles mais ô combien pertinente aujourd’hui sur le rapport tantôt intrinsèque, tantôt problématique entre artiste et spectateur. C’est pourquoi l’œuvre de cet artiste français, à la résonance profondément philosophique et sociologique, éthique et esthétique, n’est pas sans rappeler que l’art, loin d’être inscrit dans une correspondance unidirectionnell avec le monde, et loin de se cantonner à un éventail d’œuvres figées dans l’espace et dans le temps, est aussi un incommensurable lieu d’échange entre deux êtres, voire l’espace où se réactualisent continuellement les plus grands questionnements de l’existence.

Mónica Moreno Botero 

 

 

Esdez

Esdez, de son vrai nom Serge Dumez, est un artiste peintre autodidacte.

Le dessinateur qui avait soif de couleurs…

D’aussi loin qu’il s’en souvienne, Esdez dessine depuis toujours. Il se dirigera d’ailleurs vers une formation de dessinateur en construction mécanique, qui l’aidera beaucoup à s’améliorer sur l’aspect technique de ses dessins. Pendant son temps libre, il se plait à visiter des expositions de grands peintres, ce qui finira par lui donner l’envie de rajouter de la couleur à ses dessins. Sans trop savoir par où commencer, il décide de tenter l’expérience en utilisant les pastels, puis la peinture à l’huile à l’aide de pinceaux ou couteaux. Pour lui, c’est une révélation.

La peinture devient alors un moyen d’exprimer ses sensations et réflexions à propos de la condition humaine. Cela englobe notamment l’Homme et la nature, les relations hommes femmes, l’époque actuelle ou bien de simples instants de vie. Il peut trouver l’inspiration en observant son environnement quotidien, à travers une ou plusieurs photos qu’il assemble ou même quelque fois dans ce qu’il voit en rêve…

Une révélation pour le mouvement cubiste

Jean-Claude Perrin

Jean-Claude Perrin se consacre depuis 1993 à la peinture et à la sculpture et a animé pendant plusieurs années une association artistique, le "Groupe Créer" à Epernay. Il a été l’élève de Marcel de Villemoisson, Michèle Taupin et Robbie .
Il est Chevalier de la Légion d'Honneur et Chevalier dans l'ordre National du Mérite.

Après avoir pratiqué la sculpture (terre cuite et tirages en bronze avec l’atelier de MORSAINS - Aisne) , Jean-Claude Perrin s'est spécialisé dans la pratique de la peinture à l’huile. Il travaille depuis plusieurs années sur papier marouflé sur toile afin d'obtenir un support parfaitement lisse et tendu qui lui permet de jouer sur la texture du tableau par grattage sans fatiguer la toile. Il crée ses œuvres en s'inspirant de sa région d'adoption : la Camargue..

Ses tableaux de moyen format, en général autour du "40 figure » (soit 81X100 cm) parlent bien plus que les mots que Jean-Claude Perrin pourrait utiliser pour évoquer notre société tellement fragile, les traces que chacun peut laisser de son passage, les émotions que nous procurent les rencontres que nous faisons en chemin : hommes, animaux, paysages. Tout sollicite son regard qui se nourrit de ses impressions et de ses notes prises sur le vif - carnet de croquis et photos : son matériel pour retranscrire sur la toile ses émotions dans l’intimité et la sécurité de son atelier.

Atikin

Atikin

Atikin est une artiste en mouvement, une chercheuse de terres sauvages, une adepte du nomadisme. À travers ses créations, elle invite le spectateur à partir avec elle, à réinventer de nouvelles plages de liberté, à prospecter, à la découverte des multiples possibilités de voyages au travers desquels elle veut nous entraîner.
Dans sa recherche, rien de surfait, L’œuvre et l’existence d’Atikin fusionnent, vivant longtemps entre deux continents, elle a évolué dans son art au travers de longs séjours et périples en Afrique .
Elle crée des portes vers des terres inconnues et révèle un travail authentique, représentatif de sa continuité et de son langage dans le respect du lieu qui l’abrite et dans le choix de créer à partir de matériaux prélevés sur place.
C’est une forgeuse de terres sauvages qui nous livre une nouvelle forme de mondes connectés, uniques, particuliers, des forêts étranges, des installations de mondes groupés.

 

Françoise Rutillet

Françoise Rutillet est née à Paris, elle a grandi en région parisienne où dès le collège, pendant les cours d’histoire, elle créait des mini tableaux abstraits, très colorés.

Elle a pris l’option Arts Plastiques au lycée, puis durant sa vie professionnelle, de professeur de Mathématique, Françoise a poursuivi la mise en pratique des bases théoriques du dessin.

Parmi ses vingt ans de travail hors de France, la Nouvelle-Calédonie a particulièrement marqué le choix de ses couleurs et la nécessité de peindre des étendues d’eau.

Son port d’attache était La Grande-Motte (Hérault), depuis 1972, où elle retrouvait l’eau, les étangs avec leurs couleurs changeantes sous le soleil.

Depuis 2013, Françoise Rutillet peint à l’huile, les paysages, d’après ses photos uniquement, tout en suivant des stages de peinture afin de continuer à améliorer sa technique déjà bien établie.

Laissez-vous porter par les eaux bleues de ses tableaux et découvrez le décor planté des fonds marins. Les poissons se cachent parmi les coraux et entrent sur scène, pour vous. 

   

Ses oeuvres : 

Roland Bousquet

Né à Estaing dans l'Aveyron, Roland Bousquet est partagé entre le Var et la Lozère où il vit et travaille.

Son travail réuni dans une toile, abstraction, figuration, gravure, écriture.
Ces recompositions figuratives, à partir d'une recherche abstraite, travaillées essentiellement sur l'équilibre et le choc des couleurs, disparaissant sous un noir, ressurgissant par la gravure. 

Des personnages jonglent, en apesanteur, et jaillissent du néant par le jeu des couleurs et de la lumière. Iis se bousculent, s'enchevêtrent, se débattent, tombent parfois dans le vide, se raccrochent, se hissent, tentent d'arriver au bout de leur histoire, de leurs lumières, de leurs chimères ... C'est la vie d'aujourd'hui.

Le NOIR éclate, l'histoire s'ordonne ..., se redécouvre alors une écriture primitive..., le mouvement dirige l'oeil qui lit la toile.

 

Brigitte Barateau
Brigitte BARATEAU-DUMESNIL collagiste depuis 25 ans.
Notre monde est peuplé d’images et certaines résonnent en nous plus que d’autres.
C’est en étudiant ces projections dans les années 1990, que Brigitte s'est prise au Je(u) en se mettant en situation, en les décomposant, en les déchirant pour construire un autre monde, et pour voir où l'emportent ses délires.

“Si vous ne distinguez pas votre ombre, il faut aller la chercher, elle se cache derrière les ruelles sombres, les passages secrets et les greniers remplis des fantômes de votre conscience. Ce n’est pas un défaut d’avoir une ombre, au contraire c’est la preuve que vous êtes complet” dit Deepak Chopra

Ce travail spontané sans censure l’a conduite à l’animation d’ateliers de connaissance de soi, les expositions personnelles sont venues ensuite.
Le travail sur le carton ondulé​ réalisé la première fois sur un défi, l’oblige au lâcher-prise puisqu'elle perd de vue l’image, qui se réduit, se déforme, transforme l’assemblage, donne du mouvement.

Cela a été une véritable découverte.

Fabienne Ribeyrolles

Fabienne Ribeyrolles, au-delà du visible

La picturalité selon Fabienne Ribeyrolles ressemble à une épure tant l’artiste toute en raffinement et en délicatesse crée une œuvre, peinture harmonieuse et nuancée où la maîtrise des médiums et supports aussi variés que l’acrylique, le papier, le sable, les fibres végétales et textiles, l'huile, la toile procurent un large éventail de possiblilités au peintre pour imager sa vision intime d’un univers où spontanéité et rigueur s’imbriquent parfaitement, offrant à son écriture abstraite tout à la fois cette atmosphère colorée si personnelle et une résonance élémentale profonde.

Lumière et relief habillent l’œuvre par le traitement subtil des jeux de matité, de strates qui apportent à l’ensemble une profondeur non négligeable.

Il émane des créations de Fabienne Ribeyrolles quelque chose de doux et de poétique, Entre réel et imaginaire, la démarche artistique s’inscrit dans l’affirmation d’un langage pictural universel.

Comme un don de soi, la peinture de Fabienne Ribeyrolles est un présent de chaque instant au cœur d'une humanité malmenée...

Nathalie Lescop-Boeswillwald Docteur en Histoire de l’Art Agent d’art, critique

Colette Rouden

Autodidacte, amoureuse depuis l'enfance de la couleur, de la matière et de toutes formes d'expression, Colette Rouden a toujours ressenti le besoin de créer comme une nécessité, une seconde respiration.

A l'adolescence elle ai eu envie d'explorer les techniques propres au dessin, puis celles de la peinture telles que la gouache et l'aquarelle.

Les études, la vie professionnelle et familiale ont ensuite laissé peu de place à ce loisir et c'est à la suite d'une reconversion professionnelle que Colette Rouden a décidé de reprendre ses pinceaux.

Tout d'abord peintre sur tissus, puis auteur de livres et de magazines de loisirs créatifs consacrés à différents domaines, sa curiosité l'a guidée vers l'art du collage et ses multiples possibilités.

Le choix de l'abstraction s'est fait naturellement. Tout d'abord pour la liberté sans limite qu'elle offre, mais aussi guidée par le besoin de projeter sur la toile la force et la sensibilité qui l'habitent.

Sa peinture est le reflet d'une expression instinctive riche en couleurs, la traduction par le geste d'un cheminement intérieur.
Chaque toile raconte une histoire et n'a, pour seule prétention, que celle de partager des moments d'émotion avec le public.

Patrick Planchon

En 1998, après avoir exercé plusieurs métiers. La visite du musée Dali à Figuieras et la récupération d'un vieux poste à souder ont été les détonateurs de sa démarche artistique. Il commence la sculpture en autodidacte et assemble des débris de fer de récupération. Au fil des rencontres et des expositions ses sculptures deviennent plus élaborées.

Il y inclut du marbre mais reste fidèle au fer, lequel est maintenant découpé puis assemblé.

Ses réalisations ont pour pivot l’être humain et son environnement. Le thème de l'écologie lui tient toujours très à coeur.

Patrick perfectionne sa technique pour donner libre cours à son imagination en créant des formes toujours en relation avec l'humain qu'il présente dans sa région

Installé dans les Cévènnes. à partir de 2011 il intervient de plus en plus sur des Sentiers de sculptures, les Symposiums et les parcours Land-art.
Patrick Planchon expose également son travail en galerie et en salons d'art contemporain. 

  

 

Stanley Parkins

Né à Cambridge en Angleterre, Stanley Parkins est un Artiste peintre Portraitiste international qui a réalisé le portrait du Pape Benoît XVI en 2008, de John Major, Jacques Chirac, Pierre Messmer, Danielle Miterrand, Raymond Barre, le Gouverneur Militaire de Paris, de nombreux Généraux et bien d'autres personnalités.

Stanley Parkins reçoit la Médaille d'Honneur de la Ville de Paris en 1983 et le Sceau et la Médaille de la Ville de Lyon en 1999.

Ces oeuvres sont présentes dans de nombreux musées, comme à Paris, au Musée de I'Ordre de la Libération aux lnvalides, portrait grandeur nature du Général de Gaulle, à Lyon, Musée de la Résistance et de la déportation CHRD, portrait de Jean Moulin.

Mais également à Melun, au Musée de la Gendarmerie Nationale. A Angers, au Musée du Génie, Ecole du Génie, portrait du Maréchal Joseph Joffre. Ainsi qu'à Londres, Lambeth Palace, portrait de Lord Coggan ancien Archevêque de Canterbury.

Cotation de Stanley Parkins dans le Dictionnaire Drouot Cotation des Artistes Modernes et Contemporains depuis 2002, à présent devenu Guid'Arts Cotation des Artistes du XVème siècle à nos jours.

Claude Bastide

Auteur photographe professionnel, Claude Bastide est venu à l'image après avoir exercé un métier totalement différent, “parce que la passion a été la plus forte”. Perfectionniste, il a appris les fondamentaux et à dompter la lumière en autodidacte, s’intéressant tout particulièrement à la couleur et sa magie et pratiquant très longtemps pour lui seul.

C'est parce que de grandes agences de presse et d'illustration se sont intéressées à son travail qu’il a sauté le pas et décidé d'en faire son métier. “J’ai eu aussi l'immense chance d'être le premier assistant de l'un des plus appréciés photographes de mode des années 90, Benjamin KANAREK, auprès de qui j'ai beaucoup appris sur le monde de la mode, la rigueur de travail, la créativité et l'inventivité nécessaires pour obtenir le résultat attendu", nous confie Claude Bastide.
Il a collaboré avec plusieurs agences réputées (PIX - illustration générale, OROP - people) et réalisé des visuels pour de la publicité, de l'illustration de magazines, photos de plateau, ainsi que de nombreux portraits d'artistes ou de pilotes automobiles sur les circuit de Formule 1.

LorG

Marie-Claire Gamper ou plutôt Lorg puisque c'est son nom d'artiste, a peint toute son enfance, son adolescence. C'est sa première et plus profonde passion. Néanmoins, pendant une vingtaine d’années, elle a exploré d’autres voies artistiques, notamment la musique et le théâtre, pour mieux revenir à la peinture depuis 2010.  

Il y a une énergie dans sa passion. La peinture, même si elle est vouée à être présentée, est un travail très intérieur, très spirituel, on pourrait dire en lien avec l'âme... Et ce travail intérieur demande une sorte d'exclusivité.

Lorg donne beaucoup d'elle-même à sa peinture, de sa vision de la vie et de ses rêves et pourtant ses toiles semblent toujours naître à son insu. Ses peintures représentent des ressentis et des ambiances rapportées d’ici et d’ailleurs. Elles disent ses rêves, ses utopies, ses visions…elles témoignent aussi de sa profonde connexion à la nature.

Lorg utilise souvent la technique du collage de papier avant de peindre, ou bien encore du sable. Ces techniques l’incitent au lâcher-prise. Car ce sont les reliefs qui la guident. C'est un peu comme les personnages d'un roman, qui, à un moment, se mettent à exister par eux-mêmes à l’insu de l’auteur.

Clotilde Verriès

Née à Béziers, Clotilde Verriès grandit toutefois à Paris avec une adolescence très portée sur le cinéma puis suit des études universitaires scientifiques. De retour en Languedoc, elle entreprend une carrière de chercheure en œnologie.

En 1991, sa passion pour le cinéma est tellement forte qu'elle quitte momentanément son travail pour entreprendre des études cinématographiques. Dès 1998, Clotilde Verriès écrit des scénarios et travaille sur des courts-métrages avec pour thème le raisin et le vin. 

En juin 1992, lors d'un stage au centre Tomatis à Montpellier, elle découvre l'art de s'exprimer sur la toile avec pinceaux et couteaux en écoutant de la musique : c'est une révélation. 

Clotilde Verriès transpose ses émotions par le biais de la couleur au fil de ses sources d’inspiration musicale. Dès lors, peindre devient aussi important que de réaliser des films. 
Ses tableaux sont dans les collections privées d'amateurs d'art et collectionneurs en France, au Danemark, au Royaume Uni ainsi qu'aux Etats-Unis. Clotilde Verriès peint en écoutant de la musique, tout sorte de musique : elle est son vecteur.

Ainsi, chaque tableau résonne par rapport à une musique bien précise, mais peut également générer de belles émotions sans aucun accompagnement musical. Clotilde Verriès donne d'ailleurs un titre en rapport avec une musique à chacune de ses œuvres.
Là est tout le secret de ses œuvres, qu'il s'agisse d'aquarelle ou de peinture à l'acrylique.

Mener de front ces trois carrières n’était pas chose facile. Dès 2011, Clotilde Verriès quitte alors le monde scientifique pour se vouer corps et âme au cinéma et à la peinture. Elle réalise des films documentaires pour des chaînes de télévision. Et en 2016, elle aborde la mise en scène de théâtre.

 
 

Ses oeuvres : 

Florence Cazebon Taveau

Peintre et écrivain, Florence Cazebon Taveau, née le 6 mai 1962, est peintre écrivain. Elle a publié plusieurs ouvrages: « LA GRÂCE DE DIEU », « AU COEUR DU MYSTERE DE MA VIE », « LA ROSE DES VENTS ». 

Son écriture est empreinte d’une spiritualité intense, profonde et très personnelle. Certains de ses ouvrages sont en cours d’adaptation pour le Cinéma. 
En 1982 - elle n’ a pas encore vingt ans - elle expose pour la première fois au Salon International des ARTS ET LETTRES DE France à Bordeaux. Elle a mis au point une technique bien personnelle : elle peint avec les doigts, directement sur un panneau. Ensuite viendra la reconnaissance grâce à la Distinction du Salon : le Grand Prix de la MAIN d ' OR, que lui décerne l' INSTITUT ACADÉMIQUE DE PARIS en 1985. 
En 1990, elle est admise dans les rangs de la Fondation Taylor. Elle enchaine les expositions, en particulier lors des Salons organisés par l’équipe qui sera plus tard à l’origine de l’ ACADEMIE INTERNATIONALE DES ARTS ET LETTRES : en 1990 - à titre exceptionnel à Notre - Dame de la Garde de Marseille - un Hommage International à CEZANNE, après que la Montagne Sainte –Victoire, si chère au Maître aixois, ait en partie brûlé. 
A la Mairie du IVe arrondissement de Paris, nouveau succès sur le thème du Cinéma, avec son Hommage à Serge REGGIANI qui est présent dans la salle. Suivront de nombreuses expositions personnelles : à Bordeaux (Hôtellerie des Crickets), Narbonne (Bibliothèque Municipale), 

En 2013, au cours du Salon « SUR LES RIVES DU RÊVE » qui s’est tenu à Marseille, « Capitale Européenne de la Culture 2013», dans Les Espaces-Ateliers Mustacchi, elle obtient le « Grand Prix du Paysage Imaginaire » avec Médaille d’Argent. Puis reçoit le diplôme de membre de la Société du Mérite Artistique Français.
Reconnaissance de son talent par de grands critiques d'art mondiaux tel que Paolo Levi, José Van Roy Dali, Vittorio Sgarbi, etc.
Sa peinture: à la galerie MADS de Milan ou encore exposée au Musée Privé Européen du Danemark mais également en de nombreux catalogues officiels de peinture internationale notamment: : 
- The Best Modern and Contemporary artists (2016) curated by Francesco Saverio Russo..
- Museum for Tomorrow for USA distribué dans 25 pays: "Ces artistes sont aujourd'hui dans les galeries, vous les verrez demain dans les musées" (Académie Internationale des Art et Lettres de France) avec qui elle expose aussi en salon au Sénat de Paris.
- Critique d'art: Un chromatisme vibrant et bienfaisant. Une peinture singulière faite de sensibilité, de mysticisme et de poésie surréaliste à la manière de Jean Cocteau. Une large palette habitée par l'âme de cette artiste où se pose en caresse chatoyante la couleur de cette ivresse des sens.
- Art Absolument: Rayonnante la matière colorée de Forence Cazebon-Taveau est travaillée en lien étroit avec une touche vibrante se rapprochant ainsi du paysagisme abstrait tel que l'institua James Guitet (Critique de Norah Hubert, septembre 2020).

 

Ann Dunbar

D’origine anglaise, Ann Dunbar, avec ses 35 années d’expérience et de recherche esthétique ont permis de maîtriser la technique de l’aquarelle tout en mêlant la tradition de la broderie piqué libre sur papier. Elle a choisi de superposer les fils de coton et de soie à la peinture pour donner un relief supplémentaire au tableau dans sa vision globale. Le résultat permet d’apprécier les reflets colorés qui se déplacent au gré de la lumière et du mouvement du regard. 

C’était grâce à ses parents qui ont cru son talent artistique, qu’elle a suivi cette démarche.

Diplômée des Beaux Arts avec mention à l’Ecole Supérieure des Beaux Arts de Surrey   et l’enseignement

d’Arts Plastiques en Angleterre pendant 16 ans., Ann Dunbar, qui habite en Essonne depuis 1996 continue ses activités de peinture professionnelle en France qui ont fait l’objet de plusieurs publications et de prix officiels, récemment,  Le Trophée « la meilleur dans le Salon International Artcomexpo.com » à Dubaï au World Trade Centre, Médaille d’argent de l’Académie Arts Science Lettres à Paris 2017 et la Médaille d’or à Oslo, Norvège 2016 .Ann a expose en Chine, Le Cambodge, Le Japon, Le Brésil et USA. Pour trois mois, mai au septembre 2018, elle à également représentée La France au Musée de Niagara Falls, Canada dans une exposition international « Water for Life »

Bettina S.

Artiste dans l’âme, le dessin, la peinture, les arts plastiques nourrissent la vie de Bettina S. depuis son enfance. Destinée à un métier artistique en fin d’étude, sa soif de connaissance l’a invitée au voyage dans le monde de la psyché, de l’humain et d’autres cultures.

Les œuvres de Bettina S. racontent son parcours. Depuis une première vie professionnelle de danseuse dans différentes compagnies, en passant par l’étude et l’accompagnement en psychosomatique, elles illustrent sa passion pour le vivant qu’il soit végétal, animal ou humain. Proche de la nature elle la ressource et inspire ses créations.

Contempler, explorer, créer, communiquer, l’ont fait conjuguer plusieurs voies professionnelles : la danse, puis le soin du corps, et de l’esprit, avec en fil rouge la création. Inspirée des ambiances de vies, Bettina S. aime transmettre, à travers ses œuvres, un vécu émotionnel et sensitif.

Le besoin de créer, de partager, d’offrir à l’œil et au cœur, l’ont invitées à en faire son activité principale.

 

Ses oeuvres : 

Jean-Claude Perrin

Jean-Claude Perrin se consacre depuis 1993 à la peinture et à la sculpture. Il a animé pendant plusieurs années une association artistique, le "Groupe Créer" à Epernay. Il a été l’élève de Marcel de Villemoisson, Michèle Taupin et Robbie .
Il est Chevalier de la Légion d'Honneur et Chevalier dans l'ordre National du Mérite.

Après avoir pratiqué la sculpture (terre cuite et tirages en bronze avec l’atelier de Morsains - Aisne), Jean-Claude Perrin s'est spécialisé dans la pratique de la peinture à l’huile. il travaille depuis plusieurs années sur papier marouflé sur toile afin d'obtenir un support parfaitement lisse et tendu qui lui permet de jouer sur la texture du tableau par grattage sans fatiguer la toile. Il crée ses œuvres en s'inspirant de sa région d'adoption : la Camargue.

Les tableaux de Jean-Claude Perrin de moyen format, en général autour du "40 figure » (soit 81 x 100 cm) parlent bien plus que les mots qu'il pourrait utiliser pour évoquer notre société tellement fragile, les traces que chacun peut laisser de son passage, les émotions que nous procurent les rencontres que nous faisons en chemin : hommes, animaux, paysages.
Tout sollicite son regard qui se nourrit de ses impressions et de ses notes prises sur le vif - carnet de croquis et photos : son matériel pour retranscrire sur la toile ses émotions dans l’intimité et la sécurité de son atelier.

Ses oeuvres : 

Eric David

Eric DAVID, né en 1965, est autodidacte,  il est créateur de sculptures éphémères, et sculpteur de verre acrylique (Plexiglass).

Ses sculptures éphémères dévoilent ce qui est invisible à l’œil nu, il met en scène de façon subtile, les mouvements de gouttes de liquides : principalement l’eau, et le lait. Il utilise la photographie comme support (sans montages informatiques). À la prise de vues, cet artiste se fait le médium des formes photographiées en créant une image émotionnelle et énergétique. Il installe entre ses images et les spectateurs une résonance forte mais apaisante.

Son travail sur la sculpture en verre acrylique, débute courant 2018, il découvre une matière originale qu’il chauffe, tord, pli et recherche en permanence comment créer de nouveaux moyens de la travailler. Sa recherche est dirigée essentiellement vers la création d’animaux (figuratif et abstrait) et de silhouettes humaines en action.

Jean-Vincent Escalant

Jean-Vincent Escalant naît à Oran en 1958. Elevé en Afrique et en Amérique Latine, il est très vite captivé par cette diversité qui l’entoure.

A peine âgé de 10 ans il tentera par le dessin, la photo et finalement la peinture de traduire les paysages qui l’entourent, ceux de cette Afrique si prégnante, si puissante. Toute sa peinture restera, au fil du temps, marquée par ces années initiatrices, envahie du souvenir de cette terre d’enfance.

L’observateur attentif saura découvrir dans nombreux de ses travaux, que ce soit par les couleurs, ou la force du trait, les témoignages de cet enracinement dans cette terre fondatrice.

Toute sa vie Jean-Vincent Escalant restera attaché aux empreintes de la vie. Après une tentative dans la recherche agronomique, il s’engage définitivement dans l’art. Bien que le modelage de la terre et le travail de la porcelaine fassent partie de son expression artistique, il fait de la peinture son activité principale.

Jean-Vincent Escalant ne reniera pas quelques influences fortes : comme Matisse et Picasso et enfin une révélation avec le peintre Nicolas de Staël qui lui fera abandonner le figuratif au profit du semi-figuratif et de l’abstraction. 

Aujourd’hui au cœur de son atelier rue Emile Jamais, il tente en permanence de créer le lien entre l’empreinte de ses souvenirs et ce que ressentent et perçoivent ceux qui regardent.

La technique s’efface alors au service de l’émotion qu’il souhaite transmettre. 

Claude-Henri Bartoli

Claude-Henri BARTOLI, un corse né à Nice en 1943, vit et travaille au Mexique.

Très tôt il se consacre à la peinture et devient conseiller artistique dans deux galeries parisiennes après son service militaire. Puis il travaille dans les maisons de la culture. Claude-Henri Bartoli a été également directeur artistique du centre d’art contemporain de Bédarieux dans l’Hérault.

Son itinéraire est jalonné d’un nombre impressionnant d’expositions personnelles et collectives à l’étranger : Maroc, Lituanie, Libye, Malawi, Guinée, Belgique etc...et dans de nombreuses villes françaises plus particulièrement celles du sud.

Il collabore avec des écrivains pour réaliser des " livres d’artistes ".

"L'homme est un regard désirant qui cherche une autre image derrière tout ce qu'il voit" (Pascal Quiniard)

D’entrée nous sommes plongés dans un monde inhabituel qui évoque tout de suite les civilisations d’Afrique ou d’Australie. Pourtant la ressemblance avec les arts primitifs est une coïncidence. C’est cette ressemblance qui amènera Claude-Henri Bartoli à l’animation d’ateliers de peinture dans différents pays et plus particulièrement en Afrique. 

Anne de Crécy

Pour Anne de Crécy, la sculpture en bronze a commencé 2003, parallèlement à sa carrière de peintre–sculpteur pour le théâtre, maintenant plus de 150 pièces uniques existent, elles sont toujours habitées de petits personnages qui racontent des brins d’histoires de la vie.

Pour cela Anne de Crécy utilise deux démarches techniques:

Tout d'abord une description objective avec les personnages qu'elle met en scène, au plus près du vivant possible; par leur intermédiaire Anne de Crécy essaie de témoigner sur le monde dans lequel nous nous débattons (instabilité, vitesse, enfermement, questionnement sur l’individu,…). Ces petits personnages, qui sont sa signature reconnaissable entre mille, apportent la précision et le pittoresque. 

Ensuite une description subjective en choisissant de mettre ses personnages dans des décors improbable, mécaniques, naturels ou hors dimensions qui traduit incertitudes, limites de rupture ou chutes prévisibles,...le tout permet le rêve ou le souvenir. Chacun raconte sa propre histoire.

Ils représentent l’humanité en général, la vie de l'homme.

Anne de Crécy sculpte directement en cire puis les pièces sont coulées en bronze avec la technique de la cire perdue, ce sont des pièces uniques.

Anne va en Afrique deux fois par an pour couler ses pièces, elle a un atelier à Abomey au Bénin.

Didier Ventabren

« La vie n’est pas lisse, mon expression non plus » confie Didier Ventabren.

Ce peintre enraciné dans la culture méditerranéenne pratique un art exubérant et matiériste. Il aime que sa peinture soit fertile, boursouflée, grumeleuse.
Il faut qu’elle déborde, coule, se froisse, s’agite. Il faut qu’elle soit rouge, enragée, révoltée et primitive dans la prière.
Il aborde la sculpture comme il approche la peinture, stimulant la matière, par accumulations, par rajouts.
La couleur engloutit le sable, le métal, le papier, les objets recyclés.
Des tâches noires laissent ses empreintes calcinées comme une pluie de blessures sur les vêtements colorés d’une reine au visage triste.
Par des signes barbaresques, des allusions, des flèches, par le signe de la croix, par la route des étoiles, l’artiste divulgue ses valeurs.
Il griffe et triture la figure, il érafle la matière. Des chiffres et des équations étranges, de fausses ou de vraies calligraphies dévoilent les confidences secrètes qui taraudent l’artiste au sujet des civilisations fondatrices de sa culture.

Bastelica peintre pluriel

English Below

Bastelica, peintre pluriel - Peintre pluriel. Ainsi se définit Bastelica …..Se définissent les Bastelica peintre pluriel. Car elles sont trois à signer d’un seul patronyme, le leur.

Trois sœurs peintres. Marie-France, Loetitia et Martine, ont une singularité irréductible. Ce sont de vraies triplées.

Il y a quelque chose d’assurément troublant, voire mystique, dans leur statut de peintres et de jumelles : «  Nous éprouvons les mêmes envies de peindre au même moment, les mêmes sensations, les mêmes plaisirs ».

« Nous avons les mêmes aspirations, le même langage ». Dès l’esquisse, chaque espace de la toile est occupé par chacune d’elles. Composition, couleurs, jeux d’ombre et de lumière : soit simultanément soit alternativement, il est travaillé par les trois en toute communauté d’esprit, égalité d’inspiration et d’imaginaire.

Les jumelles se disent unies, en un mot, par ce qu'elles appellent un « fil d’argent ». 

 

Jacques Boucomont

Le tempérament de musicien et d'artiste de Jacques Boucomont, en général, lui vient de sa mère chanteuse et de son père sculpteur et pianiste dans ses loisirs : depuis l'âge de 20 ans il est chanteur en choeur et soliste.

En arts graphiques Jacques Boucomont est tout spécialement attiré par le dessin. Même s'il est surtout autodidacte il a bénéficié pendant deux ans dans sa jeunesse de l'enseignement de l'inoubliable peintre Georges Dezeuze à Montpellier.
Il aime mettre en parallèle la ligne graphique (le dessin) et la ligne musicale (la mélodie) : d'où viennent-elles, où arrivent-t-elles ?

Jacques Boucomont poursuit depuis la fin de son activité professionnelle trois séries de productions :

- de nombreux dessins de nus en atelier et une série sur les " mains de musiciens " au pastel sur papier noir ( pour boucler la boucle entre musique et peinture ! )
- la gravure sur plaque de cuivre selon la technique de la pointe sèche : une vingtaine de sites remarquables du Languedoc édités chacun à 20 exemplaires.
- en peinture acrylique au couteau, une série de toiles sur la Camargue. 

Sophie Duvignot

Habillés de lumière, les corps et visages peints par Sophie Devignot sont des apparitions, des légendes intemporelles à l’inaccessible perfection. Que ce soit une bouche rouge et scintillante, des yeux clos comme sous extase et fardés de paillettes ou un cadrage serré sur les fesses parfaitement proportionnées d’une femme, un sentiment d’intimité domine à la vue de ces toiles, où la nudité s’expose sans pourtant paraître touchable.

Dans l’abord de ces figures, le travail de la couleur réalisé par Sophie Devignot rend le désir vibrant. À l’instar des tableaux érotiques d’une revue, l’artiste joue avec les lignes du corps dans une peinture parfois ultra cadencée, où la distribution de la lumière par grands aplats de noir et de blanc met l’anatomie en morceaux et apporte dynamisme, énergie et volume au sujet.

Dans ce théâtre de lumière, les jeux d’éclairage envoûtants captent l’instant fugace, l’attitude ou le regard sensuel. Cette esthétique sophistiquée ayant le souci de la minutie se veut avant tout célébration de la vie. « L’art doit être l’écriture de la vie » : tel est le mot d’ordre de l’artiste, qu’elle emprunte à Manet. Pour prolonger cette ambition, on irait même jusqu’à dire que la peinture glamour de Devignot est une mise en beauté de l’existence dans ses instants de grâce, une inscription durable de ce qu’il y a de plus beau et de plus éphémère. NH – Art Absolument

 

Sylvie Mayer

Sylvie Mayer est une artiste plasticienne qui vit et travaille à Congénies, une commune française située dans le département du Gard. 

La thérapeute au cœur d’artiste 

Enfant, Sylvie Mayer se découvre une réelle passion pour le dessin. Ses parents l’inscrivent à des cours de dessin qu’elle suivra avec assiduité jusqu’à l’âge adulte. Après son bac, pas de doute, l’artiste veut intégrer l’École des Beaux-Arts. Mais son entourage l’en dissuade, les Beaux-Arts ne débouchant pas sur des « métiers de femmes ». Sylvie Mayer finit par se résigner. Elle se dirige alors vers des études de thérapeute, mais n’en oublie pas ses ambitions d’artiste pour autant… Après le dessin, elle découvre la peinture, avec laquelle elle crée son propre langage. À l’aube de ses 40 ans, elle postule au concours d’entrée de l’École des Beaux-Arts, où elle est reçue et obtient trois ans plus tard un Diplôme National d’Arts Plastiques (DNAP). Par la suite, elle continue d’exercer sa profession de thérapeute, mais avec le désir de plus en plus ardent de faire parler les toiles et vivre de sa passion. À la retraite, Sylvie Mayer décide de se consacrer à faire vivre son langage pictural. 

 

Claudette Allosio

Les dernières créations de Claudette Allosio sont une nouvelle étape dans sa démarche artistique. Elles se concentrent sur des formes colorées aléatoires travaillées en relief. Leur sensation de mouvement en donne une version puissamment expressive, retrouvant la force qui séduit tant Claudette Allosio dans la nature.

Ses recherches sur le végétal, le minéral et leur expression mouvante, la conduisent à s’écarter des normes de la représentation. En choisissant de n’évoquer qu’une partie fragmentaire, l’artiste supprime tous les détails anecdotiques dans une parfaite abstraction. La liberté de son instinct fondé sur le respect de la nature, lui permet de réinterpréter l’énergie de l’environnement. Elle en conserve un témoignage ardent par le biais de son souvenir et de son imagination.

« Après un travail figuratif depuis de nombreuses années, puis une étude sur les déformations de la nature observée, j’accède à la quintessence des éléments naturels. » nous dit Claudette Allosio.

Ce jaillissement du vivant, mouvementé, haut en couleur, s’ouvre, déborde. Dans une riche nébulosité, l’élan envahit tout l’espace de la surface laissant la virulence des tonalités se diluer aux confins de la toile. Les valeurs chromatiques s’intègrent procurant une dimension physique immédiate. Dans cette exultation colorée, des teintes franches plus saturées que d’autres se détachent et sautent aux yeux.

Gérald Kapski

Originaire du Nord de la France (Pas-de-Calais), région dans laquelle il a vécu 50 ans, Gérald Kapski pratique l’art photographique depuis l’âge de 20 ans. Sa première approche a été de travailler l’argentique, lui permettant de faire ses premières armes dans la prise de vue et le développement en laboratoire puis de participer à des expositions, des concours nationaux (FFP - Fédération Française de Photographie) et de remporter quelques prix valorisants.

Cette passion s’est alors transformée en profession, il a exercé le métier de photographe de 1981 à 1984 dans les domaines du portrait, du mariage, de la photographie de pigeons de concours, de la photo d’industrie à l’aide d’une chambre photographique grand format. 

Gérald Kapski a remporté une médaille de vermeil à l’Académie des Sciences, Lettres et Arts d’Arras en 1984 grâce à ses travaux personnels de recherche sur les techniques de l’aérographe appliqué sur du papier photo.

L'artiste s’est installé en Languedoc Roussillon début 2015 dans un environnement riche et généreux en paysage, en faune et en flore, l’envie de retrouver le plaisir de photographier a ressurgi. 

En s’intéressant au numérique, Gérald Kapski a découvert avec surprise qu’il était possible de reprendre les mêmes processus d’élaboration que l’argentique, à savoir : faire la prise de vue et importer le fichier sur ordinateur afin de le développer comme une pellicule (technique du Raw).

Plusieurs mois ont été nécessaires pour acquérir de nouveaux matériels photographiques, à exploiter les potentialités technologiques de cette nouvelle approche, à réapprendre à travailler l’image afin de révéler les arts photographiques.

Michelle Durix

Née en 1948, autodidacte, Michelle Durix peint depuis 1978. Fascinée depuis l'enfance par l'image et la couleur, elle a longtemps peint du figuratif. Peinture naïve au début, autobiographique parfois. Elle rencontre alors Gauguin, le douanier Rousseau et les Naïfs Yougoslaves.Puis, de nombreux voyages en Afrique, Asie, Amérique latine ont amenée Michelle Durix à peindre Le chant du monde.

Elle participe alors aux salons des Indépendants, des Artistes Français. Puis à de nombreux salons à Moulins, Vichy et dans sa région, à Marignane, Lourmarin, Versailles, etc., jalonnés de quelques prix et distinctions.

Invitation à Laval (biennale du musée d'art naïf), au salon d'Yzeure (invitée d'honneur ), à Bagnols-sur-Cèze lors du festival l'Afrique à Bagnols Michelle Durix, montre son travail dans la France entière.

Puis un jour, Michelle Durix découvre Zao Wou Ki, Turner et d'autres et peu à peu une envie germe en elle. Elle éprouve le besoin de dire la peinture autrement, s'alléger, simplifier. De plus en plus émerveillée par l'alchimie des couleurs, leur musique, le rythme, l'énergie, la lumière, alors, vers 2015, l'abstrait s'impose, il devient évident. 

Marina DH

Marina DH travaille sur la transgression humoristique, à travers l’appropriation systématique d’un objet de notre quotidien : le panneau de signalisation routière et ses dérivés.

Il s’agit de jouer avec l’alphabet de formes, de couleurs et de sens constitués par les codes de notre société moderne, dans le but de créer de nouveaux signes, de questionner nos références culturelles ou de détourner une actualité trop souvent tragique.

Marina a obtenu une Maîtrise d’Art Plastique en 1990 à Faculté des Lettres et d’Art d’Aix en Provence sur le thème “détournement pour création du signal à l’œuvre”. Elle est à la Maison des Artistes depuis 2009 et a intégré le collectif national Happy Art Contemporain en 2012. 

Son support est tantôt métallique (le panneau lui même, réinventé), tantôt pictural (peinture, collage et/ou écritures sur toile), tantôt vectoriel (retouche d’image et illustration).

 

 

Zoe BAYARD

De formation psychanalytique, le monde intérieur est pour Zoé B une inspiration, l'art son expression.

La peinture a été sa première thérapie, très vite alimentée d'un intérêt grandissant pour la psychologie et la symbolique en même temps qu'une ouverture au spirituel, avec l'étude des textes bibliques et la découverte de la méditation.

Qu'est ce qui nous fonde ? Quelles sont les différentes dimensions, conscientes et inconscientes, qui nous animent ? Et au fond, qu'est-ce que la conscience ? Autant de questionnements qui alimentent depuis toujours sa démarche et ses recherches personnelles autant que professionnelles.

Formatrice et conférencière sur ces sujets pendant des années, elle fait le choix en 2018 de poursuivre son cheminement intérieur essentiellement par le biais de la peinture, qu'elle définit comme un vecteur de découverte et de connaissance de soi.

   

Ses oeuvres : 

Dann
Aujourd’hui, Dann, Daniel Aubert de son nom à la ville, s'inspire des atmosphères de paysages réels ou intérieurs et les retranscrits dans un style d'abstraction impressionniste…

Il sculpte sa toile, la maltraite, la frappe ou la caresse… Il travaille « alla prima » c’est-à-dire qu'il peint en une seule séance en posant les touches de peintures successives frais sur frais.

Parfois la texture à travailler coule. Alors s’en suit tout un ballet de gestes afin de canaliser cette matière source d’émotions.

Dann est dans le flux, sous tension, il suggère, donne un aperçu de ses émotions. Sa palette chromatique est riche, mais sa préférence est le bleu de Prusse.

L'artiste aime le mouvement, la tension entre l'image et l'imaginaire, le mouvement physique et le mouvement de l'esprit.

Il cherche à retrouver sur la toile l'atmosphère d'un instant, même fugace, mais ne veut pas reproduire la réalité ... 

 
 Antoine ANTOLINI  Critique d’art, nous parle de Dann:

"Les œuvres de Daniel Aubert marquent  une approche d'une forme stylistique ouverte, à la fois à un paysagisme et un impressionnisme abstraits.

Une expression subtile, ambivalente, en miroir d'une réalité fugace et d'une expression poétique, une esthétique exceptionnelle de qualité interprétative. Avec ce travail, Daniel Aubert, a su pousser le paysage aux confins de l'art de peindre, en style de paysagisme-impressionnisme abstraits.

Le colorisme de ces œuvres, ingénieux et rationnel, original ; l'application en épaisseurs de la peinture, avec un ensemble de nuances de touches, de micros-reliefs artefacts ; la composition, en termes d'architecture, de sens et de signes, le choix du thème-motif à peindre, et le titrage, révèlent ici, la capacité vérifiée de Daniel AUBERT à devenir un maître de la peinture contemporaine. »

 

Ses oeuvres : 

Vincent Tournebize

Vincent Tournebize créé des sculptures pleines de vie. Dans cette démarche très personnelle, elles sont principalement engendrées par l'artiste plutôt que juste façonnées de ses mains.

Ses créations naissent de la fécondation de la terre, une matière vivante, par l’énergie du mouvement des excellents modèles avec lesquels Vincent Tournebize a la chance de réaliser l’immense majorité de ses ébauches.

L'artiste est au service de l’œuvre, faisant partie intégrante de la matrice grâce à laquelle la sculpture se développe et s’épanouit vers sa propre nature, puis il participe à l’accouchement avec autant de spontanéité que de naturel.

Vincent Tournebize met en avant l’authenticité et le caractère primal, d’où l’aspect brut de ses grès totalement nus. 

L'artiste travaille de manière que ses œuvres ne soient pas perçues uniquement par les yeux, mais par tous les autres sens. Il aime que l’attirance envers le visiteur ou le "regardeur" soit directe, sans artifice, mais sincère.

Ainsi, l’échange entre l’œuvre en grès et l’humain est franc, spontané et personnel, ancré dans l’instant présent de la rencontre. 

 

Ses oeuvres : 

C'line

Céline Baumont ou plutôt C'Line, c'est son nom d'artiste, a toujours aimé les arts-plastiques, mais elle n'a pas pu intégrer l’école des Beaux-Arts sur décision parentale. Elle est donc devenue coiffeuse.

Après 22 ans dans l’artisanat elle a dû mettre fin à son activité en Novembre 2008 à cause de problème de santé. En avril 2009, C'Line a décidé de réaliser son rêve : devenir artiste peintre.


Après un mois de travail acharné, l'artiste réalise sa première toile. Depuis, elle peint tous les jours et a décidé en 2018 d’en faire son activité professionnelle. 

PARCOURS ARTISTIQUE

De son métier de coiffeuse, elle a développé une connaissance parfaite de la colorimétrie, la capacité de convertir visuellement une image 2D en 3D. Douée pour le dessin, C'Line sait reproduire un support visuel et placer les perspectives et les volumes.

Pour la peinture, l'artiste s'est beaucoup documentée, elle a visionné des heures de vidéos et a travaillé sans relache, recommencé inlassablement, jusqu’à trouver le geste, le savoir-faire et le résultat qui la satisfassent. C'Line a dessiné et peint tous les jours depuis plus de 9 ans avant de franchir le pas et d'officialiser son statut d'artiste professionnelle.

Fabienne Le Corvaisier

Née à Monaco. Professeur agrégée de Philosophie. Fabienne Le Corvaisiser n’a pas attendu d’être retraitée pour peindre . ...Et elle ne peut travailler qu’avec l’assistance éclairée de ses Chats…

Fabienne Le Corvaisiser pratique aussi le modelage et a fait paraître un petit recueil de nouvelles illustré "Un ocarina sur la plage" (Voir ci-dessous)

Elle signe ses tableaux de son initiale (F), suivie de l’année de réalisation.

Plus que l’huile ou l’aquarelle, la technique préférée de Fabienne est le pastel sec (pour le plaisir d’y mettre les doigts, entre autres…), longtemps sur papier et, depuis plusieurs années, sur toile.

Fabienne Le Corvaisier appelle ce qu’elle fait du figuratif, ou plutôt du « figuratif imaginaire », car elle ne veut pas montrer seulement ce qui est là, mais aussi et surtout ce qu’elle voit, elle, ou ce qu’elle imagine.

Ayant choisi de se risquer à présenter maintenant ses œuvres au public, elle a fait quelques expos personnelles, a participé et participe toujours à divers salons nationaux et internationaux. 

P. Kuentz

La peinture est le chemin d’expression qu'à choisi P. Kuentz pour vibrer et exprimer ses émotions. Depuis toujours elle joue avec les couleurs et les textures, d’abord dans son métier de maquilleuse qui l’a entrainée sur le chemin de la peinture.

Pendant 20 ans P. Kuentz a testé différentes techniques, huile, acrylique, pastel, et toujours les matières et textures ont été avec les couleurs, son fil conducteur.

Aujourd’hui , elle travaille la technique Nihonga.

Retour de P. Kuentz aux premières amours, des pigments colorés, chatoyants, texturés, le Nihonga lui permet de boucler la boucle de son histoire avec la matière et les pinceaux.

 « éloge de l’ombre et la lumière, dialogue en connaissance de la beauté de la nature ou l'imagination sans limites, charme l'idéal »

 

Darlou

BARNABÉ, PÉTRONILLE, ALDEBERT, ETC. 

Au commencement, il y eut Barnabé, le personnage emblématique, voilà déjà dix-sept ans de cela. Puis vinrent Pétronille, Aldebert… Sans visage, ces figures taillées dans des blocs de pierre, de la résine ou du béton, pourraient être nous : l’absence de définition de leur faciès rend l’assimilation aisée. Indéterminables, elles deviennent universelles. « Son visage sans visage nous renvoie à notre vision de l’autre et de nous- mêmes », explique Hervé Louail –alias Darlou – à propos de Barnabé. 

Mis en scène, ces personnages sont tantôt contemplatifs, d’autres fois en pleine errance. Toujours, il émane d’eux une impression de totalité, d’intense méditation. Sans doute la couleur blanche de la pierre de Lens et la rondeur participent-t-elles de cette plénitude exhalée.
Chantre d’une pureté formelle d’une rare poésie, le vocabulaire plastique tout en courbes de Darlou figure l’harmonie et la douceur de l’enfance.

Au fil du temps, son travail évolue d’ailleurs vers une ligne toujours plus épurée, avec pour résultat une place plus importante laissée non seulement à la suggestion et donc à l’appropriation du regardeur, mais aussi, de fait, à l’émotion. Incontestablement, l’art de Darlou regorge d’inventivité en ce qu’il crée ses propres figures anthropoïdes, renvoyant en miroir à notre humanité et l’interrogeant. Celui qui a longtemps contribué à restaurer le patrimoine en tant qu’ébéniste-doreur peut se féliciter d’avoir créé son propre joyau.

NH - Art Absolument

Annie Becco

Le déroulement du parcours d'Annie Becco s’est développé à partir du dessin académique, aquarelle, pastel sec, gouache et enfin l’acrylique et a lentement évolué de la figuration vers l’abstraction.

Son expression picturale, toujours imprégnée de la même sensibilité, s’est progressivement intériorisée. Sans chercher à la définir, chaque œuvre se nourrit de sensations et d'émotions. Formes et couleurs contrastées se répondent et s'organisent dans des structures / déstructures équilibrées et harmonieuses. Le travail s'épure et se simplifie. L'expression se condense, s'affirme et se révèle dans toute sa force et toute son énergie pour aller vers l'essentiel.

Le travail sur la couleur, la composition, le rythme sont des territoires qu'Annie Becco aime explorer. La particularité de l’acrylique permet de créer transparence, densité ou profondeur, définissant ainsi l'originalité de ses œuvres. Sa créativité ne naît pas d'une intention délibérée, mais d'une constante remise en question du savoir-faire et d'une autorisation à se renouveler sans cesse. Vivre l'instant présent comme une méditation le pinceau à la main.

Chaque geste provoque des possibles qui deviennent de nouveaux supports, de nouveaux départs .et chacun délivre ainsi sa propre et unique histoire.

   

Ses oeuvres : 

Christophe Jacquemot

 Né le 2 janvier 1972 à Metz, Christophe JACQUEMOT éprouve le besoin, dès son enfance, d’inventer son univers où il se réfugie pour donner libre court à l’expression de sa fibre artistique,  dans  des matières tantôt naturelles, parfois minérales.

Du Noir naît la Lumière…

La pensée courante associe le Noirceur aux abysses menaçantes, elle est en fait le lieu du vertige et de la mort, de la négation et de l’austérité.

Pour Christophe JACQUEMOT , au contraire, le Noir envoie à nos origines et fait penser « au ventre de la terre où s’opère la régénération du monde ».

Aussi, l’artiste, nourrit – il une fascination pour cette couleur magistrale résumant toutes les autres, et qui leur est antérieure. Car avec la Lumière sont nées les couleurs, auparavant seul trônait le Noir.

Jacquemot travaille dans l’évènementiel et la décoration et fréquente de grands architectes, au contact desquels il développe un goût prononcé pour le travail des volumes, de l’espace et de la fluidité des formes.

Lorsqu’il en revient à l’art, il sculpte alors des reliefs, ciselures, stries et effets sillonnés que sa sensibilité lui dicte, dans un mortier biologique sur toile – prédilection constituant sa distinction.

Après ce travail à blanc de la toile, vient la mise en Noir à l’acrylique ; de cette peinture monopigmentaire naissent d’infinies variations de lumière, dues aux reflets du jour sur différents états de surface du noir, et renforcées par l’ajout de couches de vernis.

Martine Woellet
Originaire de Metz, Martine Woellet a fait ses études et a travaillé en comptabilité jusqu'en 1985. Elle s'est installée dans le sud de la France à Monoblet, la lumière, les paysages ont réveillé sa fibre artistique.
Martine s'est inscrite dans un club de peinture et y a découvert la joie, le bonheur intense que la création lui procurait, c'est devenu pour elle une passion dévorante, un moyen d'expression fabuleux, elle essaye de transcrire la profondeur de son âme à travers ses couleurs, ses émotions, ses souvenirs.

La lumière est toujours présente sur ses toiles, comme un espoir, un réconfort, une thérapie.
Son plaisir est d'attirer et d'emmener le regard du visiteur dans son univers, de le faire participer à ses voyages, à ses rêves.
 
 
 
 

Ses oeuvres : 

Renée Bouillon-Perron

Autodidacte, mais passionnée, Renée Bouillon-Perron a rencontré la sculpture il y a maintenant plus de trente ans.
Très vite, donner forme à la matière brute a été pour elle le moyen d’exprimer émotions et sentiments.

La pierre calcaire, la pierre de lave ou andésite, l’albâtre blanc ou bleu, la stéatite, la serpentine sont ses pierres préférées.

Renée travaille à l’ancienne, au ciseau et au maillet, et ne se sert pas d’outils électriques, car elle aime sentir vibrer la pierre et être à l’écoute de ce qu’elle lui dit.

Renée Bouillon-Perron recherche l’expression et le mouvement, les ombres et la lumière, les pleins et les creux pour attirer l’attention sur ce qu'elle ressent et désire partager.

Le corps féminin, semi-figuratif ou simplement suggéré, sert de support au partage de sa sensibilité .
Le couple, au-delà de la complémentarité, lui permet d’essayer d’aller vers l’unité.

Les formes sont des instantanées que la pierre lui suggère, car ...

C’est la pierre qui commande ,
C’est la pierre qui décide
C’est la pierre qui suggère
C’est la pierre qui attend qu'elle soit prête
C’est la pierre qui exige qu'elle aille de la pierre brute à la pierre taillée puis polie .

Pour Renée Bouillon-Perron, l’artiste doit vaincre l’épreuve de l’apparence pour aller vers le centre de la pierre où se dissimulent les formes, les corps, les volumes élaborés à faire jaillir, comme se cachent, au coeur de chacun de nous, les différents aspects de notre être intérieur.

Voyage initiatique où la passion anime la main de l’artiste.

L’oeuvre devient alors instrument de partage, de complicité, d’échange d’émotions et de sensibilité avec l’autre.

Jean Mangin

Photographe naturaliste, amateur et autodidacte, Jean Mangin a commencé la photographie à l'adolescence en développant lui-même ses clichés.

Ingénieur agronome, géologue et pédologue, Jean Mangin a eu la chance d'être souvent en contact avec la nature : prospection géologique au Sahara, étude des sols en Côte d'Ivoire, agronomie en région Sud-Ouest France.

Ainsi, il a pu acquérir un sens de l'observation de la flore et de la faune, qui l'aide beaucoup en plongée sous-marine, une de ses grandes passions.

Jean Mangin pratique la photo sous-marine depuis 20 ans, d'abord en plongée apnée, pour l'approche des baleines à bosse; par exemple dans l'Archipel des Australes, ayant eu la chance d'être présent pendant 8 jours, au cours du tournage de la séquence « baleines » du film OCEANS de Jacques Perrin.

En plongée « bouteille », Jean a réalisé plusieurs explorations-plongées en Indonésie, entre Bornéo et Papouasie, en « Wallacéa », zone maritime bien connue des naturalistes et biologistes sous-marins, pour être l'une des plus riches de notre planète en biodiversité.

Ses photos proviennent aussi de Polynésie (Archipel Tuamotu), Nouvelle Calédonie, Seychelles, Caraïbes, Mayotte, Malaisie.

Christophe Jacquemot

Philosophie de Christophe Jacquemot :

« Le rapport à autrui, à son contour, son visage, est déjà une ligne qui tend vers la lumière. Cette propension à en apprendre davantage, à étudier, rêver, visionner des reflets de la personnalité qui évoluent dans un environnement naturel changeant.

 Véritable quête d’intériorité de l’artiste, dans un halo de noir au reflets multiples… »  Christophe Jacquemot habille de Noir ses toiles qu’il sculpte dans un mortier biologique. Il épure et joue de la lumière qui est la force même de sa démarche et de son travail.


Cette quête incessante s’anime à travers des formes, des visages, parfois accompagnée de la nature, au rythme des stries et intrados.

Il aime observer, parfois même se gourmander, et écouter cette douce lumière qui murmure son histoire…

Torturer la matière pour sortir de l’éclipse et écouter cette lueur qui glisse sur le relief de ce tissu imaginaire. La lumière ne confesse-t-elle pas ses vérités ?

 

Ses oeuvres : 

Lill B.

Après une formation aux Beaux-Arts de Nîmes suivie d'une école de Dessin de Mode à Paris, Lill B ou plutôt Liliane Lavabre de son vrai nom, passionnée par le monde ludique de la petite enfance, devient intervenante en milieu scolaire.

Lill B. a créé une vingtaine de spectacles de marionnettes et de pièces de théâtre. 

Membre de la SACD, auteure de livres pour enfants, Lill B. est également passionnée par le travail du tissu et de ses volumes différents selon l’étoffe utilisée.
Elle a commencé à travailler la peinture en volume sur tissu en même temps que la confection de ses personnages à gaines et à fils.

Mais Lill B. ne peut se passer de ce contact avec les enfants. Elle reprend donc, depuis quelques années, à l’acrylique, certains de ses petits comédiens de chiffons, Jojo, Bidule, Dame Pieuvre et bien d'autres qu'elle fait vivre sur les toiles. Elle prépare avec eux un conte sur la mer, les enfant en seront ravis.

PBk

Dans la peinture de PBk, où se côtoient abstraction et figuration, le maître mot est la couleur. 

« Les couleurs sont des forces rayonnantes, génératrices d’énergie qui ont sur nous une action positive ou négative, que nous en ayons conscience ou non » disait Johannes Itten dans son ouvrage : L’Art de la couleur. 
Cette théorie des couleurs est à la base de l'apprentissage de PBk pendant ses études aux Beaux-Arts. Il l'a toujours pratiquée et elle est encore source d’inspiration dans ses différentes créations.

PBk articule ses réalisations avec des jeux de contrastes et de matières, dans l’intention de provoquer du dynamisme, de la profondeur.

Ses créations relatent des histoires, elles se veulent vivantes et gaies. Parmi ses sources d'inspiration (cadrages, montages, etc.) on compte la bande dessinée, le cinéma, la photographie, la publicité..., en fait, l'ensemble des images du quotidien. 

Les compositions de PBk, avec ses lignes blanches de contour et un éventail de couleurs franches, donnent une impression de caricature. En fait, il stylise, il schématise à dessein pour mettre l’accent sur l’essentiel : l’énergie, l’émotion, l’imagination. 

Les thèmes de ses œuvres sont composés le plus souvent des scènes de la vie quotidienne.

Les tableaux de PBk font partie de collections thématiques qui prennent vie au fil du temps et de son inspiration. Son envie est de faire passer des vibrations colorées avec la joie et la passion qu'il éprouve en les réalisant.

   

Ses oeuvres : 

Jacqueline Morandini

Artiste Peintre Abstrait – Peintro-Sculpteur - Collagiste

Présente artistiquement au niveau international depuis plus de 10 ans (en Europe, Amérique du Nord, en Asie), Jacqueline Morandini invente une grammaire colorique distillant inlassablement un message humaniste (l’homme est au cœur de sa démarche artistique), de préservation durable et globale de notre environnement sur toiles, sur des Totems en bois : marque de toutes le civilisations.

L’Artiste réalise également des œuvres thématiques collages et peinture sur tous supports en mêlant photos, textes (ex graffs) ou récits picturaux comme si elle voulait picturalement conserver la maîtrise du message distillé au public.

Ses œuvres sont aujourd’hui présentent dans des collections privées en Europe ( France, Angleterre,  Allemagne ) et en Amérique du Nord ( Canada et Etats-Unis)

Jacques Drai

Jacques Drai a été chef d’entreprise dans la région parisienne. Son attirance pour les formes et les couleurs, le pousse sur la voie de l’art pictural, dont très jeune il avait voulu en faire son terrain d’élection.

En parallèle avec ses activités professionnelles, Jacques Drai fréquente divers ateliers, à Paris tout d’abord, puis dans le midi et principalement à Montpellier où il s'installe en 1996, attiré par la lumière particulière et un certain art de vivre du Languedoc-Roussillon.

Jacques Drai a depuis participé à de nombreuses expositions collectives et personnelles, et obtenu certains prix, notamment en Italie.

L'artiste a acquis la conviction que l’Art est un processus de création permanente, à la différence de l’artisanat qui est la reconstitution de recettes et de modes opératoires répétitifs.  En conséquence, Jacques pense que celui qui se pique d’art, en tant qu’acteur, doit s’engager dans la voie de la création continue. Il ne doit pas craindre d’explorer différentes manières de s’exprimer, et même d’emprunter des chemins contradictoires et parfois inexplorés, dès lors qu’il reste authentique et échappe à la dictature de la mode. Même s’il a le sentiment de passer à côté de la recherche du beau.