Françoise Rutillet

Françoise Rutillet est une artiste peintre née à Paris, elle vit et travaille à Aubais - France.

Des mathématiques à la peinture…

Dès le collège, pour tromper l’ennui pendant ses cours d’histoire de 3ème, l’artiste s’amuse à griffonner et colorier sur les pages de ses cahiers, prenant souvent la forme d’œuvres abstraites très colorées. Se dessine déjà un fort penchant pour l’art…Au lycée, elle prendra option « Arts Plastiques » mais se dirigera finalement vers une carrière de professeur de Mathématiques. Cette fonction la mènera à voyager, puisqu’elle exercera durant des années à Mayotte, en Nouvelle-Calédonie et à la Réunion.

Sans le savoir, durant son travail Françoise Rutillet utilise les bases qui lui serviront plus tard pour pratiquer son art, notamment à travers la géométrie, le respect des proportions et la perspective. Une fois à la retraite, elle se dirige tout naturellement vers la peinture. Et après avoir donné des cours de mathématiques toute sa vie, elle décide d’en prendre à son tour pour parfaire sa technique picturale…

Jean-Claude Perrin
"De l’armée à la peinture…
 
Très jeune, Jean-Claude Perrin rêve d’intégrer les beaux-arts. Mais, enfant d’une famille modeste, il se voit rapidement contraint d’y renoncer. Par la volonté paternelle, Jean-Claude Perrin intègre les Enfants de troupe dès l’âge de 11 ans pour se destiner à une carrière militaire.
 
L’enseignement qu’il reçoit dans l’Ecole militaire (des éducateurs du contingent accompagnent les élèves qui le souhaitent dans la pratique artistique pendant les loisirs) lui permet de s’évader régulièrement du quotidien de l’école. Dans la continuité de cette formation prémilitaire, il s‘engage dans l’Artillerie pour s’y accomplir. Jean-Claude Perrin est chevalier dans l’Ordre National de la Légion d’Honneur.
 
Durant toute sa carrière, la peinture reste pour lui un refuge qu’il aime retrouver pour compenser l’exigence du métier des armes.
 
De retour à la « vie civile », Jean-Claude Perrin s’investit auprès d’une association d’artistes à Epernay dans la Marne, le Groupe Créer, dont il assure la présidence plusieurs années durant, avec un objectif de formation des artistes en engageant un professeur d’art plastique rémunéré par l’association.

Lock Down - Ann Dunbar

Ann Dunbar est une artiste peintre de renommée internationale née en 1953 à Faberstown, dans le comté de Hampshire en Angleterre. 

Très jeune, elle apprend à coudre et broder avec sa mère et montre déjà un fort attrait pour le domaine de l’Art. Ses parents et professeurs le remarquent et l’encouragent à développer sa capacité artistique. Elle se verra même très tôt proposer une place dans une école d’art prestigieuse, mais choisira finalement de poursuivre ses études dans le domaine de l’enseignement.
En 1975, après avoir obtenu son diplôme d’enseignante, elle intègre l’École Supérieure des Beaux-Arts de Surrey durant trois ans, tout en continuant en parallèle de peindre ce qui la fascine le plus, les paysages qu’offre Mère nature. 

 

 

17 dessinateurs de talent

CONCOURS DU MEILLEUR DESSINATEUR DANS CETTE EXPOSITION VIRTUELLE.

Dans les commentaires sous la vidéo dans Youtube, c'est à vous d'élire votre dessinateur préféré.

L'artiste qui sera nommé le plus souvent dans les commentaires (numéro ci-dessous ou le nom) gagnera un mois d'exposition à la galerie-atelier Art Fresque Povera à Sommières (mur de 3ml).

Attention un seul vote par adresse/abonné sera pris en compte.

Pour voter allez dans les commentaires sur la chaine YouTube d'Art des annonces, en cliquant sur ce lien et mentionez simplement le numéro ou le nom de votre dessinateur préféré.

Voir la vidéo ci-après:

Hommage à Jean Arp

Jean Arp ou Hans Arp, né à Strasbourg en 1886 et mort à Bâle en Suisse en 1966. D'abord poète, Arp participe en 1916 à Zurich à la fondation du mouvement Dada. Il illustre plusieurs ouvrages de la collection « dadas » et commence à sculpter en 1917.

Ses premières œuvres de plâtre et de marbre datent de 1930. Il réalise des reliefs en bois peints, broderies et papiers collés. En 1925 il participe aux activités des surréalistes et fréquente les peintres abstraits de Cercle et Carré. Un poème lui est dédié dans Capitale de la douleur du surréaliste Paul Éluard.

À partir de 1930, la sculpture en ronde-bosse prend une place importante dans son œuvre.

De très nombreuses expositions personnelles lui sont consacrées après-guerre, Arp est devenu un artiste internationalement reconnu.

En 1954, il reçoit le Grand Prix International de Sculpture à la Biennale de Venise, est fait Chevalier de la Légion d'honneur en 1960, reçoit le Grand Prix National des Arts en 1963.

Un grand nombre de ses œuvres est aujourd'hui exposé au musée d'art moderne et contemporain de Strasbourg, qui lui consacre un espace central.

«J'aime les calculs faux car ils donnent des résultats plus justes.»

 

Expo Andy Le Sauce

Margolari Erakusketa : Une exposition de grands formats qui devrait bien éclairer le visiteur sur la situation actuelle du monde marin.

Flory et Andy Le Sauce auront le plaisir à vous recevoir à partir du 13 et jusqu'au 20 octobre 2020 au château d'Espelette.  

En matinée de 10h à 12h, ou dans l'après-midi, de 16h à 18h.


Une immersion garantie dans les profondeurs sous-marines sur plus de 20 grands formats. 
D'une part l'artiste vous fera partager les beautés résiduelles de certains espaces, alors que d'autre part, sur plusieurs toiles militantes, vous sera présentée la diversité des dysfonctionnements actuels. 

 

 

 

Hommage à Pierre Soulages

Pierre Soulages, est un artiste français né à Rodez en 1919. Très tôt passionné par la pratique de la peinture, l'art roman et les peintures rupestres, Pierre Soulages se retrouve confronté au choc de la peinture de Cézanne et de Picasso qui agissent chez lui comme un catalyseur.

Fervent adepte du musée Fabre de Montpellier durant l'Occupation, ses peintures noires se démarquent ensuite nettement de l'art truculent et quasi figuratif en vogue durant l'après-guerre.

il parvient à s'intégrer dans le cercle des premiers peintres abstraits en 1948, tels Herbin ou Kupka. De 1949 à 1979, il expose successivement à Paris (galerie Lydia Conti), New York, Londres, Sao Paulo, Copenhague, Hanovre, Essen, Zurich, La Haye, puis au centre Georges Pompidou en 1979, où ses toiles mono pigmentaires sont présentées pour la première fois, révélant alors la puissance de ce qu'il appelle « l'outre-noir ».

8 détails

Qu'ont en commun les meilleures sculptures et peintures de l'histoire, de "La Jeune Fille à la perle" de Johannes Vermeer à "Guernica" de Picasso ; des "guerriers en terre cuite" au mausolée de l'empereur Qin ou au tableau "Le Cri" d'Edvard Munch ?

Tous contiennent des détails (très souvent sous-estimés) qui expliquent la signification la plus profonde.

C'est du moins les prémisses d’un nouveau livre "Une nouvelle façon de voir : l'histoire de l'art en 57 œuvres", une étude qui invite le lecteur à renouer avec des œuvres qui nous sont si familières que nous ne les apprécions plus.

Une œuvre de Banksy se détruit après avoir été vendue plus d’un million de dollars à la maison de vente aux enchères Sotheby's

Le business des milliardaires ? Pourquoi vous n'avez plus besoin d'être très riche pour acheter la création d’un artiste.

Partant des œuvres les plus admirées de l'histoire de l'humanité (de la colonne de Trajan au "gothique américain", des billes d'Elgin à "La danse" de Matisse), nous sommes partis à la recherche de ce qui définit le bon art.

Pourquoi certaines œuvres continuent-elles de vibrer dans l'imaginaire populaire, siècle après siècle ?

Hommage à Kasimir Malevitch

Kasimir Malevitch, né à Kieven 1879 de parents d'origine polonaise et décédé en mai 1935, est un des premiers artistes abstraits du XXe siècle. Peintre, dessinateur, sculpteur et théoricien, Malevitch fut le créateur d'un courant artistique : le suprématisme.

Après une formation de dessinateur technique à Moscou en 1902, il développe en autodidacte son œuvre plastique qu'il décline au cours de sa vie dans une dizaine de styles différents : Réalisme, Impressionnisme, Symbolisme, Fauvisme, Cubisme, etc.

Durant la guerre, une quinzaine de ses tableaux disparurent et ne furent jamais retrouvés. Artiste prolifique, il ne cessa de peindre tout au long de sa vie.

Même si les autorités lui décernèrent des funérailles officielles en 1935, la condamnation de son œuvre et du courant suprématiste s'accompagna d'un oubli de plusieurs décennies. Le Carré blanc sur fond blanc appartient au mouvement du suprématisme, elle consiste en un carré de couleur blanche, peint sur un fond d'un blanc légèrement différent. Cette œuvre est souvent considérée comme le premier monochrome de la peinture contemporaine et il reste l'un des plus célèbres. Malevitch a utilisé deux blancs d'origines différentes : marque française pour le carré, et russe pour le fond. Cela lui a permis d'obtenir des « textures » différentes.

Hommage à Botticelli

Alessandro di Mariano Filipepi, dit Botticelli né en 1445 à Florence débute sa formation artistique chez un orfèvre puis, vers 1461, entre à l'atelier de Fra Filippo Lippi et fréquente les ateliers d'Antonio del Pollaiolo et de Verrocchio qui à leur tour influencent son style. Celui-ci révèle en effet une adhésion parfaite au style florentin où la ligne en arabesque et les formes aux contours nets prédominent. Il obtient sa première commande officielle et s'attire les faveurs des Médicis qui lui permettent d'exécuter une série de compositions mythologiques : Le Printemps, La Naissance de Vénus et ses nombreuses Madones, dans lesquelles s'affirme son style : rythme linéaire et construction sans perspective : la grâce dans la peinture florentine du Quattrocento.Il se rend à Rome où il participe à la décoration à fresques de la Chapelle Sixtine qui vaut à son art d'être qualifié de « viril, avec des proportions parfaites ». 

A partir des années 1490, son style se démode et il meurt oublié en 1510. Il ne sera redécouvert qu'au XIXe siècle par les préraphaélites.

LE PLUS: Dès l'âge de 14 ans, Botticelli aida son frère Antonio, qui était orfèvre, à battre l'or. Batteur d'or se dit « battigello » qui serait devenu, petit à petit, Botticelli !

« Un mélange singulier de tendresse chrétienne et de volupté païenne, de mysticisme très doux et de sensualité presque amère » Emile Bertaux.

Hommage à Théodore

Peintre français du XIXème siècle, Théodore Géricault est né le 26 septembre 1791 à Rouen dans une famille aisée et est mort le 26 janvier 1824 à Paris, à la suite d'une chute de cheval. Incarnation de l’artiste romantique, sa vie courte et tourmentée a donné naissance à de nombreux mythes. 

En 1819, un nouveau Salon s'ouvre au Louvre. Géricault veut réaliser une œuvre immense, spectaculaire. Cherchant son inspiration dans les journaux, il y découvre « l'affaire de la Méduse », catastrophe maritime peu glorieuse que la monarchie restaurée avait tenté d'étouffer. 

Le fait divers que le peintre évoque par sa toile est celui du naufrage d'une frégate le 2 juillet 1816, au large des côtes du Sénégal. Le moment culminant choisi par Géricault dans cette dérive qui dura treize jours, est celui où une partie des naufragés survivants sur un radeau, voient au loin le navire qui vient les sauver, le brickArgus. Géricault peint cet instant dramatique, où les hommes encore valides se lèvent pour faire signe au navire qui point, à peine visible, à l'horizon.

Hommage à Edward Hopper

Née en France en 1930, Niki de Saint Phalle a suivi sa famille aux Etats-Unis. Elle travaille d'abord comme mannequin pour VogueLife et Elle. Puis elle débute sa carrière artistique, encouragée par le peintre Hugh Weiss

Les tirs ", performances durant lesquelles des spectateurs sont invités à tirer à la carabine sur des poches de couleur, éclaboussant ainsi des assemblages de plâtre, la rendent célèbre. 

Elle intègre alors le cercle des « nouveaux réalistes », jouant le rôle de médiatrice entre les avant-garde françaises et américaines. Elle crée des ex-voto, puis des Nanas.

Ses œuvres mêlent poésie et humour, esprit du jeu et angoisse. Niki de Saint Phalle succombe à une maladie respiratoire liée aux vapeurs toxiques inhalées durant la préparation de ses œuvres en 2002.

Les nanas : Niki de Saint Phalle explore la représentation artistique du rôle de la femme et réalise des poupées grandeur nature. Ces femmes prennent progressivement consistance et deviennent les Nanas. Ce sont des sculptures modernes par leurs formes : la silhouette féminine en mettant l'accent sur les rondeurs telles que les seins et les fesses. La plupart des Nanas sont fabriquées en polyester peintes en couleurs luisantes, grillage et en papier mâché.

LE PLUS: Niki de Saint Phalle a fréquemment changé d’école ; elle a même été renvoyée un jour pour avoir peint des motifs rouges sur une statue dans la cour. 

« Quand une femme veut réellement monter au sommet de l'art international, elle y arrive. J'en suis la preuve vivante ! »

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